“DEJÁ VU” o el PAISAJE como VESTIGIO

El PAISAJE como referencia, como vestigio. El paisaje real y el imaginario, el que vi y el de los sueños. La obra con reminiscencias de paisajes.

El DEJA VU como lo llamó el célebre investigador psíquico francés Émile Boirac.

Buscando el significado del término leo que:

“La experiencia del déjà vu suele ir acompañada por una convincente sensación de familiaridad y también por una sensación de «sobrecogimiento» o «extrañeza». La experiencia «previa» es con frecuencia atribuida a un sueño, aunque en algunos casos se da una firme sensación de que la experiencia «ocurrió auténticamente» en el pasado”
Para llegar a esto me urge prescindir de la presencia humana en las obras de este proceso. O mejor dicho su presencia estará latente en las mismas, será presencia sin su presencia, o su ausencia será solo momentánea, porque acaba de pasar o estará por pasar en los próximos instantes.
Viniendo de procesos figurativos, el trabajo sobre abstracción realizado en esta cátedra me condujo a decidirme a incursionar por un sendero limítrofe entre ambos.
Los formatos y tamaños han de ser utilizados con libertad, sin ajustarme ni a dimensiones ni a soportes ya que no quiero abandonar el aspecto experimental como parte de los objetivos de este proceso. Por esto mismo he de incursionar también en dípticos y trípticos.
Pero a pesar del objetivo de experimentación buscado, me propongo tomar estos trabajos productos de la experimentación y convertirlos en obra lista para ser expuesta. Experimentos en pintura llevados a la categoría de obra será mi afrenta.
Y me permitiré también ir modificando el camino sobre la marcha. Que este proyecto sea una guía en mi camino y no un “corset” para mi producción artística, tomando como referentes a artistas de la talla de Max ERNST, Kenneth KEMBLE, Jacques BEDEL y Josefina ROBIROSA entre otros.

Teresa Maluf
Julio 2008

“Entre el sueño y la vigilia”

“Jamás te prometí un jardín de rosas”

Hace un par de años asistí a unas sesiones de fisioterapia en un reconocido establecimiento de nuestra ciudad y un acontecimiento me dejó impactada. Una paciente que estaba rehabilitando como yo tenía la cara como se dice vulgarmente “totalmente hecha”. Pareciendo contar con un rostro bonito por naturaleza, tenía por lo menos tres o cuatro intervenciones en el mismo que se notaban a simple vista. Pero lo que me llamó la atención no fue el hecho de tener tantas cirugías estéticas o “rellenos” de varios tipos en su cara, ya que seguía siendo una mujer linda, sino la expresión de profunda tristeza que tenía permanentemente y que sólo alguna broma de su fisioterapeuta hacía desaparecer por algunos instantes.
Día a día yo la observaba y me preguntaba por las razones de esa aparente depresión tan profunda y que parecía ir más allá de las preocupaciones que puede traer aparejada la complicada vida cotidiana que llevamos en el mundo actual.

1. EL ABORDAJE DEL TEMA

Al proponer la cátedra de Morfología este “trabajo final” el rostro de esa mujer volvió a mi mente. Considerando ese caso como paradigmático de una situación social que abarca a muchas mujeres (y a hombres también) y que se da en diferentes culturas, en diferentes situaciones sociales y económicas también: el cuerpo ya no es más la síntesis de los datos heredados de nuestros progenitores, de la naturaleza misma, y que marcarán para siempre la imagen que veremos de él y con la cual nos relacionaremos con el mundo. Ahora se puede cambiar lo que consideramos es la causa de nuestros fracasos, podemos intervenir sobre nuestro cuerpo en vez de aceptar lo que genéticamente hemos heredado y no elegido. Creemos, y esa es la idea principal, poder reinventarnos dejando atrás los sentimientos de angustia que nos provoca el tener que aceptarnos con las huellas que en nosotros ha dejado “un código genético heredado”.

¿Cuánto de promesa de felicidad incumplida hay en esta nueva filosofía de abordaje del cuerpo? ¿Cuánto de otorgarle al cuerpo, a lo más material de nosotros mismos, la tan difícil tarea de ser el único responsable de nuestra felicidad en este mundo?

Porque en las toma de decisiones de modificar nuestro propio cuerpo para seguir y asemejarnos a tal o cual modelo físico que nos proponen desde fuera, ya sea los medios de comunicación, los cirujanos estéticos, las esteticistas, las personas que nos rodean y ejercen presión sobre nosotros, hay en esta búsqueda algo más que la mera transformación del cuerpo físico, hay otro objetivo más fuerte y más profundo que es el de querer llegar a “una nueva concepción del Yo” que nos haga más felices, nos permita recuperar un amor perdido, nos de reconocimiento social, etc. etc. y se confía ciegamente en que los avances técnicos nos permitirán llegar a conseguir ese objetivo y nos ponemos en manos de otros para que realice esas transformaciones.

2. LOS REFERENTES

Investigando sobre el tema descubro que en al año 1992 se organiza en Lausana, Suiza, una exposición denominada “Post Human” que se convierte en el acta de nacimiento de una nueva filosofía, una nueva visión del mundo, la concepción posthumana del cuerpo. En esta exposición, organizada pro el comisario norteamericano Jelbey Deitch, participaban artistas visuales y conferenciantes que desde diferentes disciplinas abordaban el tema del nacimiento de una “nueva cultura, es decir, de un nuevo entramado de representaciones formales y simbólicas”.

Uno de los ejemplos paradigmáticos de lo posthumano que se analizan en la muestra es el caso de una modelo neoyorquina, Stancey Steler, que con 1,83 de altura, rubia y de ojos azules, que aunque trabajaba para las mejores marcas mundiales de ropa, cuando se miraba al espejo se veía fea y llena de defectos.

3. OBJETIVOS DEL TRABAJO

Partiendo de los análisis sociológicos de esta nueva cultura del Posthumanismo, realizar una serie de obras de arte que reflejen y nos hagan reflexionar acerca de la incertidumbre y la pérdida de referencias que entraña esta nueva actitud frente a la vida y que en la mayoría de los casos sólo lleva a comportamientos compulsivos, a actuar sobre nuestro cuerpo una y otra vez sin poder detenerse porque nunca obtenemos lo que en realidad buscamos (ser más felices) y que poco tiene en realidad que ver con modificar el cuerpo (o al menos solamente el cuerpo) estando lejos de cumplir con las promesas de felicidad prometidas.

Teresa Maluf
2009

“Primavera, verano, otoño, invierno y… otra vez primavera”

En al año 2013 tuve una conjuntivitis muy agresiva y sus posteriores consecuencias me mantuvieron alejada durante un tiempo de la pintura. Mis ojos, extremadamente sensibilizados, resultaban afectados por todo tipo de emanaciones, incluso las del acrílico.

Buscando otras formas de materializar mi obra encontré mi colección de revistas “Rumbos” que venía apilando casi desde su aparición.

A partir de ahí comencé una serie de trabajos bidimensionales que denominé “Urdimbre”.

El políptico que presento hoy fue la última producción de ese “cuerpo de obra”.

Cortando las imágenes de las revistas en tiras de anchos regulares fui ”tejiendo” tramas de papel, generando así nuevas imágenes y encontrando en ellas significados totalmente diferentes a los
originales.

Posteriormente comencé a “intervenir” esos “tejidos”. Pegando cuadrados de papel encima de la trama conseguía descontextualizar más aun su primigenio sentido, y a la vez la obra se volvía
menos aleatoria.

El nuevo sentido ahora lo iba “construyendo” yo y no dependía sólo del resultado del (en parte azaroso) entrecruzamiento.

El nombre de este políptico se lo “robé” al director de cine surcoreano Kim Ki-duk. El título de su película se transformó en ese momento en una metáfora de lo que me estaba sucediendo: mi
enfermedad y las posibilidades de recuperación que yo ya vislumbraba.

Me interesó también porque en esas tramas regulares que yo venía produciendo subyacía el concepto oriental del “todo” como un conjunto de partes en las cuales no hay jerarquías sino que cada uno de los elementos constitutivos contribuye por igual a darle sentido al conjunto. Sin sobresalir ninguno de ellos por encima del otro, mantiene cada uno de ellos su identidad y su importancia en la conformación de ese “todo”.

El paisaje como CARTOGRAFIA

El presente escrito una reflexión sobre mi proceso personal durante este año 2010.

Tomo el título del libro de Jorge López Anaya, “El extravío de los límites”, cómo referente básico de este proceso.

Durante este año me fui alejando conscientemente de un concepto muy arraigado en mí, el del “buen dibujo”, para incursionar en dibujos más libres de reglas tanto en temática así como en técnicas y procedimientos.

El “extravío de los límites” significa para mí principalmente, la dilución de los límites entre el dibujo y la pintura, el crear obras en las que si bien el dibujo tiene presencia, ya no más cómo puro dibujo, lineal, tramado o con aguadas. Mis dibujos fueron absorbiendo técnicas pictóricas ya incorporadas a mi leguaje y, el resultado ha sido el de lograr una cierta hibridez técnica con la incorporación del color y de materiales como el acrílico entremezclados con barras grasas, crayones, grafito, y fibras de diferente tipo.

Si bien hay obras en las que la presencia del dibujo-dibujo aún es muy fuerte, esto se va diluyendo después de una experiencia personal de trabajar con dibujos hechos con la “técnica” del “automatismo psíquico” con la cual logré que mi mente se fuera desestructurando, liberándose de esa especie de tiranía que ejercía sobre mí ese concepto, el del “buen dibujo”.

En cuanto a los temas, si bien no hubo uno sólo, fue predominante el tema del paisaje urbano, al comienzo con presencia humana y luego sin ella.

En la última parte del año, ese paisaje se convirtió en CARTOGRAFÍA, pero una cartografía ya no de la superficie terrestre sino más bien una cartografía de la mente, en la cual las referencias a
los signos o convenciones cartográficas son sólo meras excusas para la creación de paisajes totalmente autónomos

Teresa Maluf
2010

Geometría de lo personal

Intento de ensayo

Parecía que el uso de la “geometría”, del “punto de fuga monofocal”, de la “cuadrícula ortogonal” sería el camino casi obligado del desarrollo de mis trabajos artísticos.

Y así fue en un comienzo. Pero aunque me sentía segura trabajando con y a partir de esos conceptos, de esas herramientas, fue apareciendo paralelamente la búsqueda de otro camino en el que he ido construyendo una suerte de lenguaje propio.

Ahora, en este nuevo proceso creativo, me permito liberar energías, a veces cercanas a la pulsión, y trabajar con ellas como punto de partida de obras que se concretan luego en dibujos, pinturas o en una mezcla de ambos.

En estas obras más recientes, la cuadrícula ortogonal dio paso a las tramas, el punto de fuga desapareció y la línea se ha vuelto cintas que se curvan y entrecruzan sobre el plano.
El plano, a su vez, como concepto de superficie pictórica, bidimensional por definición, se vuelve tridimensional, como resultante de un trabajo en capas superpuestas, elaboradas con técnicas y materiales diversos, en las que el efecto de profundidad no depende ya más del uso de la perspectiva sino del juego de transparencia-opacidad de esas capas.

En este nuevo proceso, las “formas geométricas” se mantienen presentes pero aparecen ahora como una parte más del conjunto. Ya no hay reglas ni conceptos pre-establecidos para ellas, sino que se integran como una parte en un todo más complejo, estableciendo relaciones más bien orgánicas que matemáticas, más bien intuitivas que estructuradas.

En este nuevo proceso creativo, me interesa establecer relaciones tanto de dialogo como de tensión entre formas, entre colores, entre “bordes netos” y líneas sensibles.
Y es en este nuevo camino que me encuentro que otras artistas, cercanas a mi están transitando caminos semejantes. Que alejadas de posiciones “puristas” enfocan la abstracción no ya como lo opuesto a la representación ni la geometría como lo opuesto a las formas bio-mórficas.

Como si perteneciésemos a un mismo grupo étnico, todas trabajamos con formas que si bien no son representaciones de elementos del mundo real, tienen una presencia, intensidad, magnetismo que las vuelve reales. Es como si remitiesen a otras formas, que, aunque inespecíficas, tiene alguna existencia propia en la memoria.

Y en las cuatro, la geometría es parte de un todo más complejo, al que se llega a veces por un proceso racional y otras desde lo intuitivo. O con una mezcla de ambos.
Sin basarnos en leyes o sistemas pre-establecidos, pareciera que la obra de cada una tiene una trama propia, a veces evidente, a veces sutilmente oculta, pero que termina siempre provocando un cierto grado de inquietud en quien la mira.

Octubre

OBRA SINTESIS DE TODOS LOS PROCESOS DE TRABAJOS REALIZADOS EN EL AÑO 2010 O LA BÚSQUEDA DE UN METALENGUAJE

LA OBRA PARTE DE UN CUADRÍPTICO EJECUTADO CON PROCEDIMIENTOS PICTÓRICOS CONVENCIONALES.

CON ELLA SE INTENTA HACER UN DISCURSO SOBRE LA PINTURA MISMA, ACTUAL YDESACRALIZADA, Y AL MISMO TIEMPO QUE SE LA MATERIALIZA COMO OBRA SE DEFENDE EL HECHO DE PODER Y QUERER CONTINUAR HACIENDO ARTE EN LA EPOCA POST-HISTÓRICA (F. MENA, “LA OPCIÓN ANALÍTICA…)

• CONVIVEN LOS MATERIALES Y TÉCNICAS DE LA PINTURA TRADICIONAL CON LOS PROCEDIMIENTO DE LA MANIPULACIÓN DIGITAL DE LAS IMAGENES

DENTRO DEL CAMINO DE L A REDUCIÓN FORMAL DEL ARTE DEL S. XX, SE BUSCA LLEGAR A UNA ABSTRACCIÓN SIN TRASCENDANTALISMOS

• HAY UN PROCEDIMIENTO SERIAL Y UTILIZACIÓN DE TÉCNICAS DE MONTAJE PICTÓRICO. LA OBRA ES EJECUTADA POR CAPAS, Y CADA CAPA ESTÁ EJECUTADA SEGÚN TÉCNICAS Y PROCEDIMIENTOS UTILIZADOS POR DIFERENTES MOVIMIENTOS, O POÉTICAS, PARADIGMÁTICAS DEL S. XX (EJE DIACRÓNICO).
• ASIMISMO LA OBRA EN SU FASE DIGITAL HA SIDO TAMBIEN REALIZADA TRABAJANDO EN CAPAS COMO ES CARACTERÍSTICO EN LOS PROGRAMAS DE MANIPULACIÓN DE IMAGENES DEL LENGUAJE DIGITAL, (EJE SINCRÓNICO).

LA OBRA SE APROPIA DE LAS TÉCNICAS GESTUALES Y EXPRESIVAS DE LA ESCUELA DE NUEVA YORK (“EXPRESIONISMO ABSTRACTO”) DE LOS AÑOS 40 Y 50 Y LAS UTILIZA PARA REALIZAR LA PRIMERA DE LAS CAPAS. EN LA SEGUNDA CAPA HAY UNA APROPIACIÓN DE LA TÉCNICA DEL “HARD EDGE”, TECNICA CARACTERÍSTICA DE LAS ABSTRACCIONES GEOMÉTRICAS DE LOS AÑOS 60 Y 70.
LA TRASPARENCIA DE LA SEGUNDA CAPA DEJA VER AMBOS PROCEDIMIENTOS, HISTÓRICAMENTE CONTRAPUESTOS, GENERANDO ASÍ UNA LECTURA AMBIGUA EN LA IMAGEN RESULTANTE.
SU POSTERIOR MANIPULACIÓN CON MEDIOS DIGITALES, ES PROPIA YA NO DE LA PINTURA SINO DEL DISEÑO GRÁFICO Y DE LAS TÉCNICAS DE DIGITALIZACIÓN DE IMAGENES.
HAY CONSCIENCIA EN LA CONVENIENCIA ESTRATEGICA (A LOS EFECTOS DEL MERCADO) DE MANEJARSE UTILIZANDO TANTO LAS TÉCNICAS TRADICIONALES DE LA PINTURA, REAFIRMANDO ASI LA CREENCIA EN LA POSIBILIDAD DE SEGUIR PINTANDO EN LA EPOCA POST-HISTÓRICA, ASÍ COMO LAS TÉCNICAS DIGITALES, POSIBILITADAS POR LOS ADELANTOS DE LA INDUSTRIA
Y DE LA TECNOLOGÍA EN LAS ÚLTIMAS DÉCADAS.
EN EL PROCESO DE DIGITALIZACIÓN DE LA OBRA SE VA PERDIENDO PAULATINAMENTE LA HUELLA DEL AUTOR, PERDIENDOSE ASI LA INDIVIDUALIDAD DE LA PIEZA. EL ORIGINAL, ÚNICO, PASA A SER UN DISPARADOR DE MÚLTIPLES POSIBILIDADES FORMALES.
EL PROCESO COMIENZA CON UNA ESPECIE DE GRAFISMO-“HARD-EDGE” (LA CONTRADICCCIÓN NO ES CASUAL) QUE SE REPITE EN LAS CUATRO PARTES QUE CONFORMAN LA PINTURA. A MEDIDA QUE AVANZA EL TRABAJO DIGITALIZADO, ESTE GRAFISMO VA PERDIENDO SU INDIVIDUALIDAD PARA CONVERTIRSE EN UN PATTERN, LLEGANDO A PERDER CASI TOTALMENTE SU IDENTIDAD EN LAS ÚLTIMAS IMAGENES.
EL ÚLTIMO CAPÍTULO DEL CATALOGO LLAMADO “OTROS” PRESENTA EN REALIDAD UNA SOLA IMAGEN-OBRA, DEJANDO ASÍ EL CAMINO ABIERTO A OTRAS MÚLTIPLES POSIBILIDADES DE CONSTRUCCIÓN DE IMAGENES A PARTIR DEL MISMO PATTERN INICIAL.
POR FIN, EL TÍTULO DE LA OBRA, O MEJOR DICHO, LA PALABRA PRINCIPAL DE SU O SUS TÍTULOS, ES UN JUEGO SÍGNICO DOBLE.
“OCTOBER” ES EL NOMBRE DEL FAMOSO DIARIO (Y SERIE DE LIBROS) NORTEAMERICANO DEDICADO A HACER TEORÍA, DIFUSIÓN Y CRÍTICA DEL ARTE CONTEMPORÁNEO. ASIMISMO
“OCTUBRE” ES EL MES EN EL QUE HA SIDO EJECUTADA LA OBRA.
EL MODELO UTILIZADO PARA HACER LA CARATULA DEL CATALOGO ES TAMBIÉN OTRA APROPIACIÓN (O UNA CITA) DEL INICIO DE LA PÁGINA WEB DEL ARTISTA G. RICHTER, DE LA CUAL A SU VEZ LA CÁTEDRA DE “LPG2 SE HA APROPIADO PARA DISEÑAR LA CARÁTUALA DE SU SITE EN LA WEB.


Teresa MALUF
Octubre 2010